Sunday, January 14, 2018

1 Sem 2018 - Part Two

Harold Mabern
Afro Blue




By Christopher Loudon

Though elder statesman Harold Mabern’s blocky, aggressive piano style may seem better suited to the small army of horn players he’s worked with-from Miles, Ornette and Freddie Hubbard to George Coleman and Eric Alexander-it’s worth remembering that Mabern’s early career also placed him with Betty Carter, Johnny Hartman, Sarah Vaughan and Joe Williams. At age 78 he remains a sterling vocal accompanist, as demonstrated across this album featuring five of the finest singers around: Kurt Elling, Gregory Porter, Jane Monheit, Norah Jones and Alexis Cole.
Alongside regular trio mates John Webber (bass) and Joe Farnsworth (drums), Mabern bookends the album with original instrumental tributes, opening with the propulsive “The Chief,” for John Coltrane, with guests Alexander (on tenor) and trumpeter Jeremy Pelt, and closing with the ice-cool swinger “Bobby, Benny, Jymie, Lee, Bu.”
Porter steps in for another salute, the Mabern-penned “The Man From Hyde Park,” for Herbie Hancock, and a blistering treatment of the title track. Jones shines on “Fools Rush In” and the misty “Don’t Misunderstand.” Monheit’s kittenish allure is gorgeously realized on a lilting “I’ll Take Romance” and a satiny “My One and Only Love.” Evincing strong echoes of Chris Connor, Cole traverses another original, Mabern’s breezily philosophic “Such Is Life.” And Elling, distinctive as ever, helps define three widely diverse tracks: a sizzling, scat-fueled “Billie’s Bounce”; a tenderly reflective “Portrait of Jennie”; and this project’s biggest surprise, a near-anthemic rendering of the Anne Murray hit “You Needed Me.”


Jimmy Cobb
The Original Mob



By C. Andrew Hovan
As the Smoke Sessions list of titles continues to grow, so too do we get to check out some of the country's greatest drummer. The much in-demand Joe Farnsworth has been featured on the label's releases by Harold Mabern and David Hazeltine. Furthermore, one of the most recent titles is a headlining date for the legendary Louis Hayes. Now, comes along a new set that puts the spotlight on renowned drummer Jimmy Cobb, a gentleman that for most of his career worked almost exclusively as a sideman. However, since the late '90s, Cobb has had more than several occasions to step out as a leader with several versions of an ensemble he calls Cobb's Mob.
So the story goes, the original line up of Cobb's Mob mentioned in the title goes back some 20 years when the drummer worked with pianist Brad Mehldau, bassist John Webber, and guitarist Peter Bernstein at The Village Gate. Since each musician is a leader in their own right and quite busy, it's no surprise that the opportunities to work with Cobb have been limited in the ensuing years. That's what makes this album so special.
It should be noted that unlike all the previous releases from Smoke Sessions, this date was not recorded before a live audience. Instead, the tables were removed and things were set up like a studio session. Cobb mentions in the liners that it reminded him of recording in the home of Rudy Van Gelder back in the '50s when the living room served as the studio. The overall sound seems lazar etched, but with a sense of warmth and just the right amount of reverberation to make things sound natural. In fact, Cobb's drums have rarely sounded better.
The repertoire is nicely balanced between choice standards and originals by Cobb, Bernstein, Mehldau, and Webber. There are also some fine solos from Cobb and he trades fours on occasion, sounding particularly musical on "Sunday in New York." It is also a treat to hear Mehldau away from the introverted type of performances that constitute much of his work as a leader. On his original piece, "Unrequited," Bernstein drops out and the pianist delivers a piquant bossa that ever so tastefully integrates bebop lines with classically-inspired runs.
Bernstein finds his own time in the spotlight, sounding particularly fine on "Composition 101," where he delivers the melody in the Blue Note style of Grant Green, then goes on to weave some wonderful lines that span the upper and lower registers of the guitar. The guitarist's own "Minor Blues" is the type of engaging waltz tempo that has become somewhat of his own trademark. It is set off nicely against the rest of the program, which is made up of medium to brisk swingers.
Much has been made lately of the idea that jazz has to somehow eschew key elements of its identity to mature and advance itself. Cobb and crew create the kind of timeless and rewarding jazz that satisfies on so many levels and yet is accessible enough for even the most neophyte listeners. If that isn't advancing the art form, then I don't know what is.
Track Listing: 
Old Devil Moon; Amsterdam After Dark; Sunday in New York; Stranger in Paradise; Unrequited; Composition 101; Remembering U; Nobody Else But Me; Minor Blues; Lickety Split.
Personnel: 
Peter Bernstein: guitar; Brad Mehldau: piano; John Webber: bass; Jimmy Cobb: drums.


João Bosco
Mano Que Zuera



By SomLivre
Depois de 8 anos sem lançar nenhum projeto inédito, o cantor e violonista mineiro João Bosco traz ao público ‘Mano Que Zuera’, um álbum composto de 11 belas canções, entre elas algumas parcerias inéditas com o filho Chico Bosco, que também assina a produção musical do álbum. Dessas parcerias o single ‘Onde Estiver’, que nasceu de conversas entre pai e filho, merece destaque pela força poética e arranjo primoroso, que já toca nas principais rádios do Brasil. Além das inúmeras parcerias com o filho, o projeto conta ainda com clássicos como ‘Sinhá’ (parceria com Chico Buarque), ‘Duro na Queda’ e ‘João do Pulo’ (Parcerias com Aldir Blanc), esta última contando com uma fusão sonora com a canção ‘Clube da Esquina No 2’, e o encontro inédito com a composição de Arnaldo Antunes em ‘Ultraleve’, onde a filha Júlia Bosco faz uma participação mais que especial com sua voz doce e potente. Trata-se de um clássico da MPB que acabou de nascer!


Dado Moroni/ Eddie Gomez/ Joe La Barbera
Kind Of Bill - Live At Casino Di Sanremo



By Michael Scullin
What's to like about this album? This is a tremendous album and perhaps his best (and he has many really good albums). Accompanied by Eddie Gomez (a jazz gold standard for years – going back to accompanying Bill Evans) and Joe La Barbera who has likewise been around for years and is, as always, in top form. They swing like mad and sound as though they had been playing together for years. Their choice of music lends itself to great listening. I would go six stars were it possible - and this after listening to it once. Furthermore it is relatively inexpensive and comes in a nice slim cardboard case. All together I found all three to be in top form and to be a musical team that would be tough to beat. Don't know Moroni? this is a really good place to start.

Sunday, January 07, 2018

1 Sem 2018 - Part One

Gregory Porter
Nat"King"Cole & Me




By Matt Collar
On his fifth studio album, 2017's lovingly produced Nat "King" Cole & Me, singer Gregory Porter takes a purposefully traditional approach, paying tribute to one of his biggest influences, legendary vocal icon Nat King Cole. To help craft his tribute, Porter recorded the album with Grammy Award-winning arranger Vince Mendoza and the illustrious London Studio Orchestra, as well as several tracks featuring Los Angeles studio stalwarts. Also on board are Porter's longtime bandmates, pianist Christian Sands, bassist Reuben Rogers, and drummer Ulysses Owens. While primarily known for his contemporary, genre-crossing style of jazz and R&B, Porter here leans nicely into a distinctly old-school sound. Mendoza frames the singer's warm, supple voice with shimmering orchestral arrangements that wouldn't be out of place during the golden age of '50s and early-'60s traditional pop. While never mimicking Cole's distinctive style, Porter manages to straddle the line between evincing the storied artist's burnished vocal sound, and displaying his own virtuoso talents. Tracks like the Cole songbook regulars "Nature Boy," "Mona Lisa," and "The Christmas Song" are lushly arranged renditions that envelop the listener. Also engaging are the upbeat swingers like "Ballerina" and "L-O-V-E," which features a guest solo appearance from trumpeter Terence Blanchard. There's also a cinematic quality to many of the cuts, as on "Miss Otis Regrets," in which Mendoza's dramatic, classical-tinged opening quickly settles into an intimate, candlelit reading of the melancholy classic. Porter even applies his vintage-influenced approach to a reworking of his original "When Love Was King." Romantic, sophisticated, and rich with vocal prowess, Nat "King" Cole & Me lives up to both Cole and Porter's own immense creative reputations.


Dan Costa
Suite Três Rios



By Paul Naser

The rich musical history of Brazilian music parallels the development of jazz in the United States' in many ways. At the same time, the two informed and influenced each other as they matured. Brazilian legends like Antonio Carlos Jobim and Dori Caymmi are remembered for their influence on the development of Bossa Nova, and Jobim, like few composers of popular music in the 20th century, continues to be revered for his many contributions and innovations.
All this history is instantly recognizable in the compositions on pianist Dan Costa's latest record, Suite Três Rios. Tunes like "Samba" that begin with that joyfully familiar groove and its unmistakable lilt remind the listener that they are listening to musicians who are steeped in tradition, while the very same opening, simply by the fact that it is orchestrated on the modern drum set, also hints at what the new generation has to offer. The harmony is unmistakably modern jazz.
The crystalline opening chords in the high register of the piano that begin the opening track "Alba," indicative of a deep awareness of touch and tone, remind us of Jobim's fascination with the classical tradition. The rest of the track introduces us to a pianist and composer with a great respect for his peers. With hints of Geoffrey Keezer and Brad Mehldau in both feel and phrasing, Costa has clearly listened as much as he has practiced.
Judging by the solos on tracks like "Baião," Costa brought a band that really came to play. Guitarist Ricardo Silveira plays beautifully on the track, as he does throughout the record, and percussionist Marcos Suzano's subtle yet poignant percussion playing lends both atmosphere and drive to the track. Other highlights include the gorgeous "Bossa Nova" featuring vocalist Leila Pinheiro and the closer "Aria"
Fans of contemporary jazz will undoubtedly enjoy the latest from Dan Costa, and though those looking for Brazilian music in the style of Joao Gilberto or his contemporaries may not find what they are looking for, they will surely be pleasantly surprised to discover that Brazilian jazz, like its American counterpart, has fondly remembered its roots as it unabashedly moves forward.
Track Listing: 
Alba (ft. Jaques Morelenbaum); Chorinho; Samba; Bossa Nova (ft. Leila Pinheiro); Baião (ft. Marcos Suzano); Maracatu; Modinha (ft. Teco Cardoso); Aria
Personnel: 
Dan Costa: Piano, Compositions, Arrangements, Production; Ricardo Silveira: Guitar, Executive Co-production; Marcelo Martins: Alto & Tenor Sax; Vittor Santos: Trombone; Alberto Continentino: Double Bass; Rafael Barata: Drums, Pandeiro; Jaques Morelenbaum: cello; Leila Pinheiro: voice; Teco Cardoso: baritone sax; Marcos Suzano: percussion


Fabio Torres
Pra Esquecer das Coisas Úteis



By Tratore
Nascido em janeiro de 1971, Fabio Torres iniciou seus estudos de música logo aos cinco anos de idade. Após formar-se em piano erudito no conservatório, em 1990, ingressou no curso de Composição na Escola de Comunicações e Artes da USP. Nesta fase, paralelamente ao estudo da música eurdita, o músico lecionava piano, tocava em bandas de baile e casas noturnas, onde praticava a música popular.
Em 1992, aos 22 anos, formou a Banda Mistura e Manda, com a qual gravaria seu primeiro CD. No ano seguinte, venceu o Projeto Nascente –prêmio da Editora Abril destinado a revelar talentos na USP.
Integrante do Trio Corrente.


Antonio Carlos Bigonha
Urubupeba




By RevistaDeLuxo
Talento brasiliense, o procurador da República, compositor e pianista Antônio Carlos Bigonha lança hoje (14) seu segundo CD, batizado de “Urubupeba”, com uma coletânea de músicas instrumentais inéditas de sua autoria. O repertório é composto por MPB, com acordes de bossanova e jazz. São treze músicas, com destaque para a faixa-título, Urubupeba, para Tango Brasileiro e Valsa do Mar. Os arranjos e regência são de Dori Caymmi. Bigonha fará três shows no Clube do Choro, nos dias 14, 15 e 16 de setembro, apartir das 21h. Censura: 14 anos, sendo que menores devem estar acompanhadosdos pais ou responsáveis. Ingressos a R$ 20,00 e R$ 10,00. O CD Urubupeba estará à venda no local. Valor: R$ 25,00.
O trabalho de Bigonha vem ganhando destaque no cenário musical. Nana Caymmi gravou uma música de sua autoria,“Confissão”, em seu mais recente disco, “Sem Poupar Coração”, lançado pela SomLivre. Bigonha participou da produção do CD “Flor de Pão”, de Simone Guimarães, lançado com o selo Biscoito Fino, cuja faixa-título do disco é de sua autoria. O trabalho foi indicado ao Grammy Latino em 2009. Em 2004, ele foi o vencedordo IV Festival BDMG Instrumental, em Minas Gerais. Suas músicasrecebem influência de compositores que vão de Ernesto Nazaré a Tom Jobim,mescladas ao conhecimento de quem estudou, em sua formação clássica, osprelúdios de Chopin e Debussy.
SOBRE O COMPOSITOR
  O músico Antônio Carlos Bigonha tem uma trajetória rara. Formado em piano clássico, ele começou a tocar ainda na infância, a partir dos sete anos de idade. Concluiu a formação em piano na adolescência, ingressou na UnB no curso de Direito e transformou a música num hobby. Nos Anos 90, tornou-se procurador da República e, como integrante do Ministério Público Federal, passou a atuar em ações contra improbidade e crimes do colarinho branco na Capital do país. Na década seguinte resgatou seu talento artístico e começou a compor para piano. Em 2004 lançou seu primeiro disco, “Azulejando” . Nesse primeiro CD, ele contou com a participação especial de Toninho Horta, Juarez Moreira, Marina Machado, Flávio Henrique.

Saturday, December 30, 2017

MY FRIENDS PICK - TOP 10 JAZZ CD's - 2017

By Claudio Botelho

MINHAS ESCOLHAS PARA 2017
Perdi a pretensão de listar os “melhores do ano”. Agora, vou me referir as “minhas escolhas”, pois, conforme fui vendo as diferentes listas dos experts internacionais, vi que estas nada têm em comum com meus julgamentos. Embora, nas tais listas, existam muitas obras que desconheço, outras há que são do meu domínio e que, pelo visto, passaram longe da consideração deles, mesmo sendo, em alguns casos, obras capitais para mim e, portanto, dignas de integrar a minha lista.
Cito, também, a votação da DB dos críticos e leitores que, da mesma forma, discrepam em muito do meu gosto musical. Cito um exemplo: não consigo entender o jazz do cantor Gregory Porter e, muito menos, considero-o a melhor coisa da espécie que se fez neste ano! A meu juízo, não passa de um cantor pop, bem pop mesmo. Não consegui ver nenhum jazz no seu trabalho, embora ele se cerque de músicos verdadeiramente jazzistas. Essa “contaminação”, no entanto, não ocorre por osmose ou mesmo por qualquer outro processo conhecido...
Outra obra que está no topo de várias listas é “Upward Spiral” do quarteto de Brandford Marsalis. Comprei o CD e não dei conta de ouvi-lo por completo. Não passei da terceira faixa. Fico até pensando se não fui um tanto precipitado, coisa que, ultimamente, vem se tornado mais comum me acontecer...
Bem, feitas essas considerações, estabelecida a minha ignorância jazzística, vamos aos fatos:

01- AHMAD JAMAL – MARSEILLE. Dizer o que? Aos 86 anos, continua me encantando. A fluência de antigamente não existe mais. A idade não permite. No entanto, ela foi trocada (talvez com vantagens…) por um toque absolutamente seguro e afinado, no qual se tem, agora, um valendo por dois. O jogo com os espaços, a grandiloquência e os grandes contrastes continuam incólumes. Aqui, a percussão se apresenta na medida exata do que deve ser: nem mais nem menos, precisa e, principalmente, eficiente. Lamento pelos que não gostam dela (Júnior tem ânsias de vômito em sua presença...). Perdem uns 20% do prazer que esse CD pode proporcionar. Gravação impecável. A melhor do ano. Aliás, nesse departamento, AJ não gosta de relaxar. O melhor do ano para mim? Advinhem...
02- KEN SCHAPHORST BIG BAND – HOW TO SAY GOODBYE. Trabalho de jazzificação excepcional de alguém que, em minha desabalizadíssima opinião, poderá ser o melhor arranjador dos arranjadores mais conhecidos em atividade. Predominam suas próprias composições que, apesar de desconhecidas, deixam muito bem entrever aquilo que de instantaneidade existe em cada song. Para completar, tem a presença de um tenorista muuiiito inspirado. Um perfeito regalo para os amantes de obra desse tipo. Recomendado para o dr. Márcio Távora, em especial.
03- ALEX TOUMARILA – KINGDOM. Um verdadeiro tour-de-force, como diria o dr. Roberto Barroso. Composições próprias, bem engendradas e de personalidade. Trio afiadíssimo e gravação excelentíssima. Muita dinâmica, com amplo espectro sonoro. Esse rapaz sabe o que faz e o que quer. A obra tem um clima bem otimista. Para ser apreciada em momentos de mais euforia. No dia 31.12, por exemplo.
04- EIVIND AUSTAD TRIO – MOVING. É tudo como o acima, exceto que aqui, existe um clima mais intimista. A diferença é, basicamente, essa. É como se, neste caso, tivéssemos lidando com músicos mais seasoned, com mais bagagem, esta em substituição ao ímpeto mais juvenil do anterior. Gravação igualmente muito boa, mas dotada de menos sparkle.
05- YAMANDU COSTA – MAFUÁ. Foi aqui que pude, finalmente, me convencer 100% da genialidade deste músico. Temos uma guitarra-solo que mais parece uma orquestra. O que ele consegue em ocupar TODOS OS ESPAÇOS não é brincadeira! Quase todas as composições são próprias, cada qual dotada de um clima próprio, o que as torna bem distintas entre si. Vou além: eu diria que, do ponto de vista do atingimento de seu objetivo, considerando tratar-se de um solo de guitarra (que, afinal, não é um Steinway de nove pés...), é o primeira desta lista.
06- DADO MORONI, EDDIE GOMEZ, JOE LABARBERA – KIND OF BILL. De início, me aborreceu a qualidade da gravação (inaceitável para os dias atuais). O CD se apresenta um pouco empanado, o que, sem dúvida, lhe subtrai impacto. Essa condição atrapalhou bastante minha impressão inicial, contribuindo, também, para que eu lhe pespegasse um clima de déjà-vu. Mas é isso mesmo. A proposta do trabalho é homenagear BE, procurando, o mais possível, se aproximar das performances originais. Moroni tem uma personalidade camaleônica e consegue emular quase qualquer um. Aqui, em certa medida, conseguiu, até mesmo por contar com dois músicos que tocaram com o homenageado (me parece que em momentos diferentes, né não, Júnior?). Alguém vai achar que é uma imitação mal sucedida e que, por ser imitação, não tem valor? Pode até ser. O piano original seguramente tem mais élan. Mais aqui temos um músico competente que se cercou de dois excelentes partners que se desdobraram. Para mim, em particular, Gomez SOBRA na sua participação e apresenta, aqui, uma das melhores performances de sua carreira. Tive muito prazer em ver que, com mais de setenta anos, ele não perdeu o entusiasmo pelo que faz. Devo acrescer, no entanto, que o diferencial desse trabalho é a sua performance que, se não for devidamente apreciada, transformará esse trabalho em algo quase banal.
07- BILL CHARLAP TRIO – UPTOWN / DOWNTOWN. Elegância e bom gosto levados ao paroxismo. Repertório irrepreensível, trabalhado com muito refinamento. Charlap definitivamente retornou a seus melhores dias. A lamentar apenas a gravação. Não que seja ruim. Não é. Apenas lhe falta força em certos momentos. É um pouco desencorpada, por vezes...
08- GLENN ZALEVSKI – FELLOWSHIP. Pianista novo e bastante sofisticado. Na linha do Charlap. Se continuar trabalhando sério, pode se tornar um dos grandes do jazz. Muita personalidade e capacidade de produzir arranjos bastante originais e complexos. Um genuíno sangue novo na praça!
09- ORQUESTRA ATLÂNTICA. Surpresa! Pensem numa orquestra de bolso bem redondinha! Recomendadíssima para os fãs da Banda Mantiqueira, pois, neste trabalho, a meu juízo, ela se mostrou bem mais integrada do que aquela, principalmente se formos comparar com seu último lançamento – COM ALMA – que, no geral, me pareceu um tanto sem sal. A novata é mais bem ensaiada e melhor arranjada do que a outra. Ouve-se o CD sem sobressaltos e com muita facilidade. Bom equilíbrio entre seus ups e downs, o que, como soe, facilita sobremodo o trabalho de seus consumidores, pois essa alternância lhes acalma o espírito. Truque que nem sempre é utilizado, o que tem destruído trabalhos que, de outra forma, seriam muito bons. É a velha senoidal. Destaco, também, a corretíssima percussão. Bem carioca.
10- DAVID FELDMAN – HORIZONTE. Surpreendente pianista! Não sei de onde surgiu com esse nome americanalhado! Devo estar mesmo muito por fora de nossa cena musical! Trabalho com grande consistência do começo ao fim e bastante variado. Jazz na essência sem, no entanto, abandonar nossa assinatura sônica. Os que gostam de jazz mainstream se sentiriam muito bem servidos por esse CD, assim como quem curte mais a bossa nova nos moldes em que a praticamos. Junto com o trabalho do Yamandu, foi uma grande surpresa para mim.

Extra:

11- PAWEL KACZMARCZYK TRIO – SOMETHING PERSONAL. Trio polonês de grande solidez. Identifiquei, aqui e ali, influências de Brad Melhdau. Boas influências, aquelas que pontuavam o início de sua carreira, ainda não tão charleslloydianas e keihjarretianas (esticaaaaadas) como ocorre hoje em dia. Perfeita integração, garra e riqueza nos temas que apresenta. Podem marcar esse trio no caderninho...
12- CHRISTIAN McBRIDE BIG BAND – BRINGIN’ IT. Obra variada e, no geral, permeada de otimismo. Própria para ser ouvida nos momentos que antecederem a virada do ano. McBride foi outro que me surpreendeu. Costumava desconsiderar seus trabalhos, em vista de alguns que havia comprado. Achava-os muito feijão com arroz, tipo aqueles últimos trios do Ray Brown. Aliás, se parecem bastante no tocar. O mesmo zeitgeist. No entanto, nesta obra, se tem um trabalho orquestral que, ainda que bastante mainstream, é muito competente: arranjos corretíssimos, bem colocados (sem atingir, no entanto, a sofisticação de Shaphorst) e andamento sobretudo muito fluente. Existem umas três faixas que discrepam um pouco (por exemplo, a de uma composição de Djavan, na qual a cantora não foi capaz lidar com o intrincado de suas melodias), mas as demais compensam com sobra. Belo trabalho orquestral!
13- TOMAS FRAGA – INFLUENCIAS. Parece mais um músico brasileiro de primeira linha do que o argentino que ele é. Excelente compositor e ótimo guitarrista. Aqui não falta nada! CD para se ouvir de uma levada só. Este é exclusivo de quem andou pelas lojas de CD de Buenos Aires. Um tesouro local. Vi que integrou a lista do Marcílio do ano passado. Só o conheci, no entanto, em maio deste ano, quando Marcílio trouxe-o para cá.
14- FRANCISCO LO VUOLO – SEGMENT. Trio de piano onde se impõe um grande conhecimento da linguagem jazzista por parte de Lo Vuolo, um jovem pianista. Não deve nada a qualquer expoente do piano. Aqui é apresentado um repertório com Standards do jazz e outros do cancioneiro popular americano que têm sido importados pelos jazzistas ao longo do tempo. O que poderia ser mais um disco de mesmice dessas interpretações, revelou-se um desfile de interessantíssimas apresentações. São faixas longas, sem encompridamentos desnecessários, diga-se, que muito têm a dizer. Integrou a lista dos melhores do Léo do ano passado. Origem: Buenos Aires. Só para quem esteve lá...
15- ANTÔNIO ADOLFO – HYBRIDO. Magnífico departure de seus últimos trabalhos, que primavam pela chatice. Seria a magia das composições de Shorter? (Wayne, aquele...) O fato é que, com os mesmos músicos de sempre, Adolfo imprimiu outro clima, com excelentes improvisos e precisas intervenções pianísticas de sua parte. Mais uma prova de que repertório é meio caminho andado. Afinal, se a instantaneidade não vingar, pelo menos a outra metade está garantida. Mas não é o caso aqui: tudo funciona muito bem.
16- GILSON PERANZETTA – COMO VINHO- SETENTA ANOS. Esse é para agradar o Léo. Brincadeira à parte, trata-se de um disco correto, bastante clean, sem excessos, mas que não chega a empolgar. Uma mistura de clássico com jazz. Gravação boa e produção bem cuidada. Confesso que não gostei muito da qualidade da camerata carioca que o ajudou em algumas faixas. Desconfio que, sem elas, as coisas teriam corrido com mais fluidez...
17- VINCE MENDOZA - HOMECOMING. Ao transcrever minha listagem de um lugar para outro esse acabou ficando de fora. Não sei se ele está aqui mais para ser elogiado ou para ser criticado, se merece meus encômios ou críticas. O fato é que fiquei muito impressionado com o primeiro trabalho que ouvi dele (Nights on Earth). Depois, vi mais dois que não lhe chegavam aos pés. Não exibiam nem a riqueza de arranjos e, muito menos, a musicalidade exuberante do primeiro. No entanto, sabendo do potencial de Mendoza, continuei insistindo, até chegar neste. E o que existe aqui? Uma orquestra de primeiro mundo que, a meu ver, do ponto de vista de suas possibilidades orquestrais, foi subaproveitada, pois M. economizou nos arranjos. Foi como se tivesse ficado inibido. De início, apesar disso, impressiona, até porque afinação e boa qualidade de som não faltam. O grave é muito bom. Mas, a partir da terceira ou quarta faixa, a apresentação começa a cansar e o ouvinte vai, gradativamente, perdendo o interesse. A segunda faixa (uma espécie de Bolero de Ravel ou de alguma composição de Phillip Glass), apesar da austeridade de improvisação, é muito bonita e tem até a capacidade de nos transportar para uma outra dimensão. No entanto, uma andorinha só não faz verão. Saudades do Nights on Earth... (Mas não vou jogá-lo fora, não!)
É isso, amigos.


By Dr. Leandro Lage Rocha

OS MELHORES DE 2017 (CDS E DVDS):

01. SERGEY ZHILIN,S TRIO- Tchaikovsky in jazz
02. EDU LOBO,ROMERO LUBAMBO E MAURO SENISE- Dos Navegantes
03. MANUEL FRAGA E TRIO- Querido Bill: Tributo a Bill Evans
04. HAMILTON DE HOLANDA QUINTETO- Casa de Bituca: Música de Milton Nascimento
05. FRANCISCO LO VUOLO- In Walked Francis
06. JOÃO BOSCO- Mano Que Zuera
07. CHICO BUARQUE DE HOLLANDA- Caravanas
08. AHMAD JAMAL- Marseille
09. QUARTETO DO RIO & ROBERTO MENESCAL- Mr. Bossa Nova
10. TOMÁS FRAGA- Influencias
11. EM CASA COM LUIZ EÇA- VÁRIOS
12. AMARO FREITAS- Sangue negro
13. ADRIAN IAIES- Small Hours, Late At Night
14. ANTONIO ADOLFO- Hybrido
15. GUSTAVO MUSSO & FRANCISCO LO VUOLO- Back In Town
16. DAVID FELDMAN- Horizonte
17. AYRTON MONTARROYOS
*Menção honrosa ao DVD de CESAR CAMARGO MARIANO-Joyned


By Dr. Marcilio Adjafre


Melhores CD 2017:

1- Alessio Busanca Quartet - Hot Market
2- Pawel Kaczmarczyk audiofeeling Trio - Something Personal
3- Italian West Side Big Band - Blue Tone
4- Ricardo Silveira Trio - Simbora
5- Art Hirahara - Central Line
6- Alex Tuomarila Trio - Kingdom
7- Orquestra Atlântica
8- Bill O’Connell - The Three of Us
9- Joey Alexander - Joey.Monk.Live!
10- Ubik Trio - Dirty Hands
11- Thomas Enhco - Someday My Prince Will Come


By Prof.Dr. Carlos Couto |UFC |FFOE |Lab. de Bromatologia

OS DEZ MELHORES CD’s QUE OUVI EM 2017:

- 01. BRINGN’ IT – Christian McBride Big Band - ★★★★★
- 02. Mr. Bossa Nova – Quarteto do Rio & Roberto Menescal
- 03. Kind Of Bill – Dado Moroni Trio
- 04. At This Time – Steve Kuhn Trio
- 05. Kuchiku – Francisco Vuolo Quartet
- 06. Com Alma - Banda Mantiqueira
- 07. Marseille – Ahmad Jamal & friends
- 08. Mano Que Zuera – João Bosco
- 09. Introducing – Mario Nappi Trio
- 10. P. Tchaikovsky In Jazz – Sergey Zhilin’s Trio
Impossível não incluir:
- 11. Ai Plays Donato – Ai Yazaki Trio & friends

★★★★★ Destaque para o BRINGN’ IT – Christian McBride Big Band - um dos melhores CD’s de jazz dos últimos tempos.


By Márcio Távora

O que ouví de melhor em 2017.
CDs:

01) AHMAD JAMAL (2017) - MARSEILLE
02) BILL EVANS (1968) – SOME OTHER TIME (THE LOST SESSION)
03) BILL EVANS (1968) – ANOTHER TIME (THE HILVERSUM CONCERT)
04) BILLY ECKSTINE (1979) – MOMENTO BRASILEIRO
05) DANILO REA (2014) – DOCTOR 3
06) FRANKIE LAINE & MICHEL LEGRAND (1958) – FOREIGN AFFAIR / REUNION IN RHYTHM
07) ORQUESTRA ATLÂNTICA (2014) – ORQUESTRA ATLÂNTICA
08) RICCARDO ARRIGHINI (2008) – PUCCINI JAZZ (RECONDITE ARMONIE)
09) STEFANO BOLLANI (2017) – MEDITERRANEO
10) TONY FOSTER (2016) – PROJECT PARADISO (MUSIC OF ENNIO MORRICONE AND HENRY MANCINI)

Sejam felizes ouvindo uma boa música.

Friday, December 29, 2017

WORLDJAZZ TOP 10 - 2017

Best Jazz 2017 by WORLDJAZZ

Jazz Record of 2017
- Bill EvansSome Other Time: The Lost Sessions From The Black Forest
Top 10(9) Jazz Records of 2017
- Bill Evans: Another Time-The Hilversum Concert
- Joshua Redman & Brad Mehldau: Nearness
- Ahmad Jamal: Marseille
- Bill Charlap Trio: Uptown Downtown
- Yamandu Costa: Mafuá
- Sari Kessler: Do Right
- Aaron Parks: Find The Way
- David Feldman: Horizonte 
- Enrico Pieranunzi: Proximity

Artiste du Jazz 2017
Bill Evans (in memoriam)

Tuesday, December 19, 2017

Kevin Mahogany ( 1958 - 2017 )




By Timothy Finn - tfinn@kcstar.com
DECEMBER 18, 2017 03:04 PM
UPDATED DECEMBER 18, 2017 10:31 PM


Jazz singer Kevin Mahogany, a Kansas City native who had recently moved back to town, has died. He was 59.
News of his death was reported Monday morning on social media, including his Facebook page. At 11:30 a.m, the American Jazz Museum issued this tweet: “We are deeply saddened to hear of the passing of our dear friend Kevin Mahogany. His broad baritone has been an essential piece of the jazz landscape in Kansas City and all across the world.” A cause of death was not reported.
“Kevin was one of the great musicians to come out of Kansas City,” said Bob McWilliams, director of folk and jazz at Kansas Public Radio and host of “Trail Mix” and “Jazz in the Night.”
“More than anyone, he carried on the Kansas City tradition in terms of jazz vocals. He had this wonderful baritone and ballad style, a lot like Johnny Hartman. And he was a great blues singer, and bebop singer and scat singer. So diverse.”
Mahogany’s discography comprises more than a dozen albums going back to 1993, including recordings on the Warner Bros. and Telarc labels.
He was also a jazz educator. He taught at the University of Miami and the Berklee College of Music in Boston.
Mahogany was a 1981 graduate of Baker University, where he received a degree in music and drama. He gained recognition outside his hometown for his role in the 1996 Robert Altman jazz film, “Kansas City.” Mahogany was also an accomplished instrumentalist on the baritone saxophone, clarinet and saxophone.
Mahogany moved back to Kansas City late this summer, following the unexpected death of his wife, Allene.
“He missed her,” McWilliams said. “He posted a couple of weeks ago that he’d finally cooked himself a meal, something he hadn’t done for about 30 years.”
Fans on social media expressed their sorrow.
Jazz organist Ken Lovern posted on his Facebook page: “So sad to hear about Kevin Mahogany’s passing. Some of my first jazz gigs at the Point and other Kansas City venues were with Kevin. He was always a pleasure to work with. … I spoke to him a few weeks back and he was excited to be moving back to Kansas City.”
Pat Tomek, drummer for the Rainmakers: “This is terrible news. “I knew him from his days as a doorman at Blayney’s. … but (I) never heard him sing until after he moved away. I missed out. He had a great national and international success. He was a big guy and a total sweetheart, always with a kind word to say.”
“If I had to come up with one adjective to describe Kevin,” McWilliams said, “it would be ‘kind.’ He was the kindest person ever.”
Mahogany had a lot of plans in store. He was scheduled to perform New Year’s Eve at the Musical Theater Heritage at Crown Center along with David Basse, Joe Cartwright and other Kansas City jazz musicians.
“He’d been working a lot and had a lot of gigs scheduled,” McWilliams said. Mahogany also had another recording in store.
“He checked in with me at the end of October about another project he wanted to work on,” McWilliams said. “He’d done an album that was a collection of classic soul songs called ‘Pride and Joy,’ and he wanted to do another like that. So we texted back and forth a few things about that. But that was the last direct communications I had with him.”
Mahogany was a musician of many influences. In a recent interview with the Napa Valley Register, Mahogany cited his earliest: “Listening to a lot of bebop — Eddie Jefferson- and Jon Hendricks-type stuff. I tend to lean toward a ballad singer like Johnny Hartman and also the blues with Joe Williams. He brought a different style to the same genre of music: the blues background to the jazz style of music.”
He also explained why he waited until college to focus on becoming a vocalist, for which he became most famous.
“I chose that direction because it allowed me to be more flexible in terms of different genres — jazz or R&B or rock or soul even,” he said. “I was able to do a variety of styles without any problem, vocally.”
Like many who knew Mahogany, McWilliams will remember him as a man who was as humble as he was talented.
“I met Kevin about 30 years ago,” he said. “It was at a jazz convention in New York. A young guy came up to me, very shy and respectful, and said ‘Mr. McWilliams’ — he was only a year or two younger than me — and he had a cassette for me. I think it was called ‘Mahogany.’ It was a lot of soul stuff, really good. After that, I got to know him better and within a few years, he really took off.
“This is especially painful because he thought moving back to Kansas City was going to be such a great thing for him.”

Monday, December 04, 2017

Mundell Lowe ( 1922-2017 )



By Doug Ramsey 12/3/17
Guitarist Mundell Lowe died today. He was 95. Lowe’s career began at 13 when he frequently went from his home in Laurel, Mississippi, to work at clubs in New Orleans’ French Quarter. After service in World War Two, he honed his bebop skills and became one of New York’s busiest guitarists. He worked with a cross-section of major musicians including the Sauter-Finegan Orchestra, pianist Billy Taylor, and his own quintet at The Embers and other clubs. He was in demand not only as a player, but after he moved to Los Angeles in the 1960s also as a composer for films and television series. For five years in the 1980s, he was music director of the Monterey Jazz Festival. Lowe remained active as a player well into his nineties.
One of his happiest occasional partnerships was with fellow guitarist Johnny Smith, another Southerner who was Lowe’s age and whose guitar style also developed under the influence of Charlie Christian. At a 1985 festival in Mobile, Alabama, Lowe and Smith collaborated on Christian’s “Seven Come Eleven.” Despite Lowe’s crediting the composition to Benny Goodman, Christian wrote it in 1940 when he was in Benny Goodman’s sextet and big band. Smith, on your right, has the first solo. The rhythm section is Hank Jones, piano; Monty Budwig, bass; and Alan Dawson, drums.

Sunday, November 26, 2017

2 Sem 2017 - Part Eleven

Colin Vallon
Danse




By Karl Ackermann

Pianist Colin Vallon seems on the verge of a creative breakthrough with his new trio album Danse. With his third ECM trio release Vallon has cemented a personal approach to his music; it is one that has taken time to unfold much like many of his compositions. In his writing, as well as group interplay, the pianist has made a science of exploring open spaces and filling them with nuanced textures or opting for minimalism.
Vallon's influences include not only the familiar names of Thelonious Monk, Miles Davis and Gyögy Ligeti but pop artists like Thom Yorke (Radiohead) and Björk. Here the pianist reunites with bassist Patrice Moret and drummer Julian Sartorius, both from his all-Swiss group on Le Vent (2015). Moret has been a working colleague for more than a decade and Sartorius had replaced Samuel Roher following Rruga (2014) and other pre-ECM albums.
The eleven compositions on Danse do not so much move the needle forward for Vallon and company as they do further refine the composer's excellent compositions. Having written nine of the eleven tracks on the album he clearly keeps the strengths of Moret and Sartorius in mind. The opening "Sisyphe" is an exquisite piece that demonstrates the perfect synergy between Vallon and Moret. Classical influences are apparent in "Tsunami" even as Sartorius' propulsion creates a tautness and—eventually—alters the motif. The title track offers a more intentionally disjointed relationship between piano and bass surprisingly held together by Sartorius while "L'onde" is more upbeat and pleasantly off-kilter. The drummer's light and musical touch can be best be appreciated on the beautiful "Kid" and that atmosphere bleeds into the brief "Reste." The album closes out with the hypnotic "Morn" and a second variation of "Reste."
Vallon has yet to find a broader and well-deserved audience in the US but that is logically a matter of time with three attention-demanding ECM releases. Much of his music exemplifies tranquility, even in the quirkier numbers, but there is always a restive quality, a tension that holds one's consideration and makes this more than a minimal experience. Danse has moments of unsurpassed beauty, offset by inventive, searching passages that portend the unexpected paths Vallon journeys down.
Track Listing:
Sisyphe; Tsunami; Smile; Danse; L’onde; Oort; Kid; Reste; Tinguely; Morn; Reste (var.).
Personnel: 
Colin Vallon: piano; Patrice Moret: double bass; Julian Sartorius: drums.


Yamandu Costa & Alessandro Penezzi
Quebranto



By Jo at Choromusic
Two well known and acclaimed Brazilian guitarists, Yamandú Costa and Alessandro Penezzi have joined forces in recording the shown CD Quebranto that was released by the Biscoito Fino label last month (more info here). The CD has thirteen tracks of amazing guitar duets featuring music composed and/or arranged by the two guitarists. The music reflects different aspects of the Brazilian guitar tradition which are celebrated in the disc. What keeps the project together and generates a successfull disc is the mutual conception of the music and exceptional technical skills applied by both musicians.
According to a published interview with Alessandro Penezzi (- available in Portuguese only, here) the CD has been a long time underway, quote (my English translation): " It was born of a mutual desire that we had to make a record together. About ten years ago, we met at his [Yamandú's] house and began to compose. We recorded some songs in a homemade way. However, only later did we decide to finish the album, putting the idea on paper. I've known Yamandu for a long time, since when I went to live in São Paulo, around 2002. In fact, we became friends, as if we already knew each other.(-) If we add up all the time we have taken to the design and composition of this record, it's years. We started writing it for about three or four years ago, but the idea came before as I said". The collaboration was complicated because of geographical distance between the two guitarists, however, "We solved this a few times with contacts via Skype, WhatsApp, email, and it was like this. When we had a reasonable number of compositions and we needed to rehearse the arrangements, we decided to go to Yamandu's house".
The CD celebrates the Brazilian guitar, its tradition and players - Penezzi puts it this way in the interview, quote "The Brazilian guitar is a character of many faces - from Latin, from Latin blood, from the energy and strength that comes from the Spanish influence, the black guitar, the Creole, the Gaucho ... In fact, there is not an interpreter specifically there [in the music at the disc] , but the soul of the guitar. We seek, by means of sonorous brushstrokes, to give our vision". When asked what are some of the main peculiarities of the Brazilian guitar/violão, Penezzi says there are several "... but I would say the right hand, which is vigorous and has enough of (-) that percussive thing that comes from the Afro root. At the same time, it works hard on polyphony and praises for virtuosity, because of the flameco and Spanish influence. It is a guitar of many peculiarities". The front cover illustration of the CD, which is copied from a graphic work by Stephan Doitschinoff, reflects some of the peculiarities of the right hand technique used by Brazilian guitarists according to Penezzi, quote "There's a gypsy thing about it, which, incidentally, is one of our influences. When we speak of Spanish flamenco music, it includes the gypsy vein, which carries a whole mystical, exoteric baggage." The title of the CD, Quebranto, which also is the title of one of the compositions by Penezzi at the CD, further reflects the gypsy aspect - the word 'quebranto' in gypsy exoteric knowledge points to a spell that casts itself through the gaze to bewitch someone. In a way, this is exactly what happens between musicians when interacting directed by the spirit of the music - it's a spellbinding experience which unites the musician with his or her instrument and at the same time directs the performance and interplay as a unity.
As mentioned, there are thirteen tracks at the CD, five of them contain collaborated compositions by the two guitarists (Capitão do Mato, Chico balanceado, Amigo Bonilha, Valsa Morena and Chaparral), three tracks have pieces composed by Penezzi (É chorando que se aprende, Dayanna and Quebranto), Yamandú also has three self penned pieces (Samba pro Rafa, Bolero negro and Saracoteco) while the two remaining tracks are devoted to a Valsa seresta no. 1 by Sergio Belluco (Penezzi's teacher of the violão) and a collaborate work by Yamandú and his teacher Lucio Yanel entitled Meus gurizinhos. - Yamandú takes a leading role in most of the recorded tunes playing the themes while Penezzi contributes accompaniement but also gets solo spots besides showing off exceptional technical skills like Yamandú. The interplay between the two guitarists is amazing and reveals a mutual responsiveness and shared understanding of the music, which keep the spontaneity and energy of the performance in a direct way that is rare in produced studio recordings. The result is a magnificent production and I highly recommend the CD to anyone with interest in great Brazialian guitar music.


Antonio Meneses & André Mehmari
60 40




By João Marcos Coelho, Especial para o Estado
O escritor cubano Alejo Carpentier, frequentador assíduo das feijoadas semanais no apartamento parisiense de Villa-Lobos na Place St. Michel nos anos 1920, definiu com precisão a natureza da música de seu amigo brasileiro: “Villa-Lobos pensa como palmeira, sem sonhar com pinheiros nórdicos”. E adverte: “Repetimo-nos il pleut dans mon coeur, como o suave poeta, para enganar o incêndio tropical que temos dentro de nós”.
O mágico encontro entre o pianista, compositor e arranjador niteroiense criado em Ribeirão Preto André Mehmari, 40 anos, e o violoncelista pernambucano Antonio Meneses, 60 anos, criado no Rio e hoje um dos grandes músicos clássicos do mundo, assume esse “incêndio tropical” que está no nosso DNA.
São dois músicos extraordinários que comemoram dois aniversários redondos em 2017 - André seus 40 anos, Antonio seus 60 - oferecendo-nos esse CD AM60 AM40, que será lançado pelo Selo Sesc em agosto em apresentações em Ribeirão Preto (dia 17, no Teatro Municipal) e São Paulo (de 18 a 20 no Sesc Vila Mariana).
André assina duas transcrições de Bach e durante as 15 faixas jura que segue a partitura, mas com direito “a ornamentações dentro do estilo!”, esclarece. Suas trajetórias se cruzam em momentos distintos: Antonio, depois de consolidar-se como grande violoncelista clássico na Europa, tem-se voltado para as raízes brasileiras na última década; André vive seu momento mais notável: consolida-se como compositor sinfônico e está cada vez mais fulgurante como pianista improvisador. Grava muito em seu estúdio Monteverdi, na serra da Cantareira, em São Paulo (só este ano já lançou Dorival, em que toca Caymmi em quarteto com Proveta; este AM60 AM40; e Suíte Policarpo, que lança em recital na Flip).
O CD começa e termina com Bach e duas de suas mais conhecidas melodias: o Arioso da cantata BWV 156 e a ária da quarta corda, da suíte para orquestra n.º 3 BWV 1068. Entre um e outra, passeiam por Tom Jobim (antológica performance de Sem Você) e peças mais encorpadas de dois argentinos: a Pampeana n.º 2 de Ginastera; e o Gran Tango, de Piazzolla, dedicado a Rostropovich.
Mehmari é camerístico por natureza. Cresce assustadoramente nesses encontros - como se fosse possível determinar onde é mais superlativo, já que também no piano solo sua arte é hoje magistral. A pimenta do improviso faz a magia do duo, diz ao Estado: “Talvez eu tenha trazido elementos bastante novos para ele, principalmente o fato de eu nunca tocar a mesma peça duas vezes do mesmo jeito. Isso tem a ver com minha natureza de improvisador, algo quase extinto há muito tempo no território da música de concerto”. De seu lado, Antonio diz: “Cantar para mim é a forma máxima da música. Eu sempre tive o sonho de cantar com o violoncelo esse tipo de música”.
O momento mágico desse encontro de gigantes é a Suíte Brasileira, que Antonio encomendou a André. Em 5 movimentos e 15 minutos, leva-nos a uma viagem pelo “incêndio tropical” que temos todos dentro de nós.
O Prelúdio tem centelha e pegada dos célebres prelúdios das suítes para violoncelo de Bach. Ao mesmo tempo, as harmonias virtuais soam monumentais no violoncelo de Antonio, construído pelo lutiê italiano Filippo Fasser, em 2013. André capta, em arpejos e melodias em notas duplas, todas as possibilidades expressivas desse instrumento tão excepcional quanto o músico que o pilota.
O choro-canção é uma das mais belas melodias que André já criou. Mais que villa-lobiana, tem cheiro das rodas de choro dos anos 1910 no Rio de Janeiro. Brasileiríssimo.
O frevo frenético remete às raízes de Antonio e a valsa ao maravilhoso universo dos pianeiros que, desde o final do século 19 e ao longo da primeira metade do século 20 transportaram e reinventaram esse gênero tão vienense às nossas esquinas (impossível não lembrar as valsas de esquina de Mignone, anfíbio genial conhecido nas rodas populares como Chico Bororó). Um sacudido baião encerra em clima de arrasta-pé essa linda Suíte Brasileira, buquê que André Mehmari oferece a Antonio Meneses em seus 60 anos.


Paolo Fresu & Omar Sosa
Eros




By Andrew Cartmel
The striking immediacy of the trumpet and flugelhorn playing of Sardinian master Paolo Fresu shows the profound influence of Miles Davis combined with Mediterranean lyricism. His list of associates include Carla Bley, Piero Umiliani, Ralph Towner, and Sheila Jordan. His latest project is a collaboration with pianist Omar Sosa. Cuban-born Sosa relocated to San Francisco and then Barcelona, and has played with the likes of Paquito D’Rivera, John Santos and Trilok Gurtu. Also on board for this CD are the Brazilian cellist Jaques Morelenbaum and Egyptian-Belgian singer Natacha Atlas.
The album opens with a cover version of Massive Attack’s anthem Teardrop. It is slowed down, blissed-out and reconceived as a piece of minimalist and dismantled electronica, with Sosa using electric keyboards, samplers and effects. And Natacha Atlas sings the lyrics in Arabic. The effect is even more hypnotic than the original, and it has the keen advantage of Fresu’s clean, piercing trumpet to guide and emphasise the piece. Sensuousness features a credible replica of Tuvan throat singing and a melancholy exploration of its theme by Fresu.
Zeus’ Desires has a bouncing beat, with blossoming, rolling Fender Rhodes, set against the more angular gradient of the violins — Anton Berovski and Sonia Peana of the Quartetto Alborada. The string quartet continue to enthral on Brezza del Verano, also featuring Nico Ciricugno on viola and Piero Savatori on cello. Omar Sosa scatters notes across the piece but it’s Fresu who keeps moving it forward with his plangent, reverberant, pre-electric Miles style playing. My Soul, My Spirit features Atlas again and is like a secular call to worship, her voice being gently lowered on a cushion created by the string section. La Llamada (‘The Call’) is a slow-paced, pulsing piece shaped by Sosa’s keyboards and effects, with Fresu playing a dreamlike horn, and succinct, otherworldly interjections in the form of sighing, slanting phrases from the strings. What Is Inside / Himeros begins in the same dreamy, delicate vein, but Sosa builds a fierce, echoing pulse, with fleeting telegraph-key Morse-code taps on the keyboards, building up the feeling of electric-era Miles, not least in Fresu’s performance. In the measured, ambient landscape of Who Wu, with Sosa keeping a tic-tac suggestion of a military drum, Fresu comes and goes in a manner reminiscent of summer lightning before the thunder hits, while the sudden jagged violin is like a can opener lifting the lid on your mind. Why is notable for jovial, lyrical sawing strains on the cello by Jaques Morelenbaum.
Forsaking a conventional rhythm section, this is an unusual and curiously effective group, with a distinctive 21st Century sound that creates a uniform mood without repeating itself or losing the interest of the listener. It has a silky surface which makes for “easy” listening, but also a complexity and depth which repays attention. And, incidentally, when the CD appears to be over...it isn’t. After a minute or two of silence there is an extended “ghost track” which features some great playing.
Track Listing: 
Teardrop - Ya Habibi; Sensuousness; Zeus' Desires; Brezza Del Verano; My Soul, My Spirit; La Llamada; What Is Inside; Himeros; Who Wu; Eros Mediterraneo; Fradelo; What Lies Ahead; Why.
Personnel: 
Paolo Fresu: trumpet, flugelhorn, multi-effects, percussion; Omar Sosa: acoustic piano, Fender Rhodes, MicroKORG, samplers, multi-effects, percussion, vocals, programming; Natacha Atlas: vocals; Jaques Morelenbaum: cello; Quartetto Alborado - Anton Berovski: violin; Sonia Peana: violin; Nico Ciricugno: viola; Piero Salvatori: cello.