Saturday, March 31, 2018

1 Sem 2018 - Part Nine

Plays Ravel

By Dan McClenaghan 
Maurice Ravel (1875-1937), the classical French composer/arranger, was an early embracer of jazz. He included elements of the then new music into some of his own later compositions. Jazz has—since the 1940s, initially under the guise of what became called the Third Stream, pioneered in part by Gunther Schuller—often married classical stylings with the quintessentially American music that got its start down in New Orleans.
The Swiss trio VEIN has gone full immersion with the classical side, taking Maurice Ravel's music and treating it with a flexible reverence, applying their modern VEIN-ian stamp on the French composer's now near-century old music, with Vein Plays Ravel.
The group VEIN is a piano trio—twin brother Michael and Florian Arbenz—piano and drum, respectively—and bassist Thomas Lahns. The trio, in these particular hands, proves itself an exceptionally adept vehicle for interpretation of the classical canon. The three part "Le Tombeau de Couperin" brims with a majestic grandeur with Part 1, "Prelude;" the music shifts into a solemn, introspective mode on "Forlane," and closes on a fervid, jittery, percussive note on "Tocatta," all laid down with adept interplay and forward-leaning spirit. "Blues" has a melancholy hue, with some gorgeous and sporadic (rather than rhythmic) castanet-like percussion.
With Ravel's perhaps most famous composition, "Bolero," VEIN bolsters the ensemble with a quintet of reed and brass instruments, and creates the set's highlight. Andy Sheppard's saxophone takes the initial lead on this sixteen minute-plus jewel. Opening with a spare approach—the trio displaying a perfect cohesion—measured brass and reed solos follow, then multi-horn interplay as subtle (initially; it evolves into the gutsy and anthemic) and as inspired, arrangement-wise, as you'll hear, from Ellington through Gil Evans to VEIN and Company.
The music of Maurice Ravel proves itself a prime inspiration for the group VEIN and its guests.
Track Listing: 
Prelude; Forlane; Toccata; Blues; Bolero; Pavane Pour Une Infante Defunte; Movement De Minuet; 5 O'Clock Foxtrott
Michael Arbenz: Piano; Thomas Lähns: Bass; Florian Arbenz: Drums;

Stefano Bollani Trio

By Peter Bacon
It’s a much bigger cast than just the trio. In addition to Italian pianist Stefano Bollaniand his pair of Danes, Jesper Bodilsen on bass and Morten Lund on drums, we hear Frenchman Vincent Peirani on accordion and accordina as well as 14 members of the Berliner Philharmoniker, all playing music arranged by Norwegian Geir Lysne.
This is the 17th in the Jazz at Berlin Philharmonic series of concerts which attempts “to put the ‘Sound of Europe’ on the big stage. This time Italy is the star, not just because of Bollani's charismatic presence at the centre of everything, but because the music delves deep into the riches of Italy’s past, from Claudio Monteverdi through Giacomo Puccini, Gioachino Rossini and Ruggero Leoncavallo to Nino Rota, Ennio Morricone and Paulo Conte/Michele Virano.
The trumpets and other horns of Berliner Philharmoniker herald the start of the concert, playing the Toccata from Monteverdi’s L’Orfeo, leading dramatically to powerful opening chords from the trio in the Sinfonia from the same opera with explosive solos from the Berlin Phil’s violist Martin Stegner, Bollani and Peirani, the 14-piece mini-orchestra giving them a good run for their money throughout.
The switch to a solo piano interpretation of Rota’s theme from Federico Fellini’s film Amarcord is a gorgeous contrast. Were any two musicians more perfectly suited than Rota and Bollani?
The party-like encore is more Rota, this time the marching theme from Fellini’s Fortunella, the orchestra giving its all in a jam-packed, rambunctious two minutes.
Before then we’ve heard Morricone’s Chi Mai given a Monty Alexander-style reggae treatment with lush orchestral support, The Good, The Bad And The Ugly with delicate expressiveness from Peirani, and a third Morricone piece adding tension and drama so that it can be blissfully undone in Conte/Virano’s cantering Azzurro. Bollani is as suited to Conte’s world as he is to Fellini’s, and there is a fine bass solo from Bodilsen.
The double whammy of Puccini’s O Mio Babbino Caro and Leoncavallo’s Mattinatagets the piano trio swing treatment leading to shimmering strings, the full orchestra and Peirani adding urgent interjections over the top before the horns and Bollani leads into a beautifully voiced, and beautifully measured, denouement and back to the start.
Rossini’s Largo al Factotum, from The Barber of Seville is the concert climax with everyone having a ball and Bollani offering a teasing cadenza.
This kind of big, celebrity concert with a grand sense of occasion and some kind of contrived overarching theme can, in subsequent recording, leave one responding: “Hmm, maybe you had to be there”. But when it works, one’s response changes to: “Damn! I wish I’d been there!” This album is definitely worthy of the latter response.

Tigran Hamasyan
An Ancient Observer

By Jeff Tamarkin
An Ancient Observer is two different kinds of solo album in one. Most of its tracks adhere to the traditional definition of one musician playing one instrument; Tigran Hamasyan’s is the piano, and he plays it extraordinarily well. The other tracks invite the listener to question the definition of “solo.” Although Hamasyan is still the only performer, he incorporates expansive, immersive colorings via choral-like ambient vocals, pronounced beats and layered orchestral foundations. The lattermost are at times so enveloping, with Hamasyan utilizing both piano and synths, you’ll swear the keyboardist brought a full band into the studio.
Then there are those tracks that flit between the two worlds, among them the opener, “Markos and Markos.” As it progresses, from pastoral piano meditation toward a darker, more bass-heavy space, the weight and drama snowball in intensity; then, a full stop and Hamasyan comes full circle. But he’s already given notice that he intends to move outside of the lines. Other standard piano solos, “Fides Tua” and “Nairian Odyssey” among them, find more in common with Hamasyan’s earlier solo outing, 2010’s A Fable, than with 2015’s Mockroot, the Armenian musician’s last full-band Nonesuch release, or his two recent projects for ECM.
Surprisingly, the more expansive pieces on An Ancient Observer don’t connect so directly to those recent, more contemporary releases either; they signify another course altogether. The hypnotically swirling “Egyptian Poet” and the solemn “New Baroque 2” suggest the composer is reaching into some deeper global folk-music well for his melodies, while “The Cave of Rebirth” and the title track—both of them simultaneously foreboding and bucolic—settle into a world marked only by its self-defined borders.

Gilson Peranzzetta
Como Vinho 70 Anos

By Mauro Ferreira
Nascido em 21 de abril de 1946 no bairro carioca de Braz de Pina, o pianista Gilson Peranzzetta subiu ao palco da Sala Cecília Meirelles, na cidade natal do Rio de Janeiro (RJ), seis dias antes de festejar 70 anos de vida. Na ocasião, em 15 de abril deste ano de 2016, o arranjador e produtor musical fez um show comemorativo das sete décadas de vida (sendo cinco dedicadas à música) com as participações de convidados como João Senise, Leny Andrade, Mauro Senise, Quarteto Radamés Gnattali e Valéria Lobão. Gravado ao vivo, o show gerou o primoroso álbum Como vinho – 70 anos, produzido pelo próprio Peranzzetta e lançado neste mês de dezembro de 2016 pela gravadora Fina Flor.
Como os vinhos das melhores safras, Peranzzetta se confirma no disco um dos maiores pianistas e arranjadores do mundo – dom superlativo já ressaltado pelo maestro norte-americano Quincy Jones, como conta o texto (não assinado) reproduzido no encarte da edição física em CD de Como vinho – enquanto celebra as origens cariocas ao tocar ao piano, com precisão, Braz de Pina, meu amor, entre outros temas autorais como Paisagem brasileira (música-título do álbum lançado por Peranzzetta em 1986, do qual vem também Como vinho, composição que batiza o atual disco), Cantos da vida (música-título de álbum de 1988) e Dois na rede (outro tema deste disco autoral de 1988).
Parceiro de Peranzzetta em série de discos gravados em dupla, o saxofonista e flautista Mauro Senise entra em cena quando o anfitrião toca o Prelúdio das Bachianas brasileiras nº 4 (Heitor Villa-Lobos, 1941). Cinco números depois, Mauro se encontra com o filho, o cantor João Senise, em Sorriso de luz (Gilson Peranzzetta e Nelson Wellington, 1997), canção que Peranzzetta gravou originalmente com a voz emblemática do cantor Djavan.
Ainda dentro do universo das canções, Leny Andrade faz As rosas não falam (Cartola, 1976) desabrochar com toda a beleza lírica do tema. Outra cantora, Valéria Lobão, entra em cena para interpretar Vivência (Gilson Peranzzetta, Dori Caymmi e Paulo César Pinheiro, 2011), música lançada pela própria cantora há cinco anos no álbum Chamada (2011). O número é um dos cinco feitos com a adesão do Quarteto Radamés Gnattali neste disco que reitera o requinte da obra de Gilson Peranzzetta como compositor, pianista, arranjador e produtor.

Friday, March 30, 2018

1 Sem 2018 - Part Eight

Mônica Salmaso
Alma Lírica

By Mauro Ferreira
"Meu Carnaval é desfilar poesia / Na melodia de uma canção", avisa Mônica Salmaso em verso de Carnalvazinho (Meu Carnaval), tema de Lisa Ono e Mario Adnet que abre seu álbum Alma Lírica Brasileira. Trata-se de disco de trio, assinado por Salmaso com Nelson Ayres e Teco Cardoso. A sublinhar o canto preciso de Salmaso - que dispara sutil arsenal percussivo ao longo das 14 faixas - há somente o piano de Ayres e os sopros de Cardoso. É o suficiente para realçar o lirismo de cancioneiro irretocável que pesca pérolas como Promessa de Violeiro (Raul Torres e Celino), embalada na forma de toada, com direito a um tambor de reisado percutido pela intérprete. É fato que faixas como a valsa Lábios que Beijei (J. Cascata e Leonel Azevedo) e Melodia Sentimental(Heitor Villa-Lobos) reiteram a solenidade que pauta, em maior ou menor grau, o canto preciso de Salmaso. Mortal Loucura - belíssima melodia posta por José Miguel Wisnik em poema de Gregório de Matos (1636 - 1695) - roça até a arquitetura de um tema sacro. Tal solenidade alcança seu pico em Derradeira Primavera (Tom Jobim e Vinicius de Moraes) - quase transformada numa peça de câmara - mas jamais desmerece um disco sedutor e refinado. Até porque há momentos mais descontraídos que deixam o álbum mais equilibrado. O piano de Ayres, as flautas de Cardoso e a frigideira de Salmaso sublinham a verve quase irônica do samba Meu Rádio e Meu Mulato (Herivelto Martins). Em Samba Erudito (Paulo Vanzolini), o mesmo piano de Ayres evoca gracioso o universo da música clássica em sintonia com o título do tema de Vanzolini, adaptador de Cuitelinho, o tema de domínio público recolhido por Antonio Xandó e regravado com lirismo por Salmaso. Além de tocar todos os pianos do disco, Ayres comparece como compositor da bela e inédita valsa Noite e do tema instrumental Veranico de Maio. Sempre entrosado, o trio consegue até recontar com suingue A História de Lily Braun (Chico Buarque e Edu Lobo) - ainda que Salmaso não traga na voz todo o molejo necessário para realçar o tom teatral dos versos do tema do balé O Grande Circo Místico(1983). Ao fim do álbum, quando o Trem das Onze (Adoniran Barbosa) passa mais silencioso por trilhos minimalistas, Alma Lírica Brasileira deixa a certeza de ser fiel à alma musical de uma das melhores cantoras brasileiras de todos os tempos. Com seu canto preciso solene, Mônica Salmaso faz folia ao desfilar poesia nas belas melodias reunidas no disco.

Paula e Jaques Morelembaum & CelloSam3aTrio
Live In Italia: Omaggio a Jobim

By Biscoito Fino
Gravado no Festival de Jazz de Padova, o CD “Paula e Jaques Morelenbaum – Live in Italia – Omaggio a Jobim”, que agora ganha edição no Brasil via Biscoito Fino, registra as emoções de uma noite que encantou a plateia italiana com um repertório que exalta as várias facetas do repertório de Tom, nosso maestro soberano, com o auxílio luxuoso do CelloSam3aTrio.
“Jaques e eu fomos convidados para participar do festival, e naquele ano todos os artistas fizeram uma homenagem ao Tom”, relembra Paula. “Dividimos o roteiro em uma parte instrumental, com meu violoncelo adicionado ao exímio e suingado violão de Lula Galvão e à sutil e calorosa bateria de Rafael Barata, interpretando as inúmeras composições do Tom que já fazem parte do repertório habitual de nossos concertos e turnês”, pontua Jaques.
A proximidade afetiva entre os públicos brasileiro e italiano valeu uma observação interessante do violoncelista: “A situação é realmente bastante parecida com a que encontramos aqui no Brasil. A diferença é que de uma maneira geral, nas 91 cidades italianas em que já toquei nos últimos 42 anos, a gente encontra um público mais ligado numa música de real profundidade e qualidade do que a encontrada mais cotidianamente no Brasil, atualmente.”
Paula lembra uma máxima de Tom – “menos é mais… e isso se percebe na sua música”, e Jaques completa: “O formato de trio, e o nosso é radicalmente minimalista, a ponto de em momentos em que o violão improvisa, o faz em contraponto apenas com a minha linha de baixo e o ritmo ditado pela bateria, então sabemos que para que o caminho musical fique bastante claro para o ouvinte, devemos ouvir com total foco o que está acontecendo.”
Os primeiros passos de Paula Morelenbaum como cantora foram exatamente com Jobim: “Aprendi muito com ele, e quando canto sempre penso no Tom, e de como gostaria que a canção fosse interpretada, sem maneirismos ou afetação. Tom foi quem abriu as portas do mundo para mim, sou muito grata por isso.”
Paula revela como é possível saudar o mestre em uma formação original: “Pode-se achar estranho homenagear o Tom numa formação musical sem piano, mas não nesse caso. Todas as linhas do piano dele estão presentes, e passeiam pelo violoncelo, pelo violão, pela voz e pela percussão. E sem querermos traçar linhas paralelas, acho que ficou bem interessante não cairmos no óbvio. Seguindo os arranjos originais, e com essa formação conseguimos uma sonoridade muito pessoal.”
E foi esta sonoridade que conquistou a plateia do Festival de Padova, que reagiu calorosamente a todas as faixas que compõem este belo CD, que traz para a obra de Tom Jobim um acento único.

Henrique Lissovsky
Tem Sambajazz Na Belazul

By Tratore
São temas, variações e improvisos com formas abertas, sendo todas as faixas de sua autoria. Esse trabalho, que foi muito bem recebido pela mídia especializada (, conta com a participação de músicos como Mauro Senise, Paulo Russo, Ivan Conti Mamão, João Rebouças, Robertinho Silva, Joana Queiroz e Rafael Barata.

Tutty Moreno/Rodolfo Stroeter/André Mehmari/ Nailor Proveta

By Silvio Osias
CD “Dorival” relê Caymmi muito bem com forte sotaque jazzístico.
O melhor intérprete de Dorival Caymmi é Dorival Caymmi.
Ele e seu violão.
Disso, creio que ninguém duvida.
Mas a lista dos que o interpretam muitíssimo bem é extensa.
Nem vou perder tempo em fazê-la.
Essa conversa é a propósito de um CD que me impressionou bastante.
Dorival é o título. Simples assim.
Caymmi desconstruído e reconstruído por quatro feras nos seus instrumentos:
O pianista André Mehmari, o saxofonista Nailor Proveta, o baterista Tutty Moreno e o contrabaixista Rodolfo Stroeter.
Dorival foi gravado um ano atrás num dos melhores estúdios do mundo, o Rainbow, em Oslo, na Noruega.
Tão lendário quanto o estúdio é o músico e engenheiro de som Jan Erik Kongshaug, que gravou e mixou o disco.
Os temas de Caymmi escolhidos pelo quarteto foram recriados com fortíssimo sotaque jazzístico. Mas a releitura conserva algo do espírito do autor, mesmo submetendo suas melodias a outras cores, a timbres e harmonias muito peculiares, à improvisação que marca a linguagem do jazz.
A compositora Joyce Moreno foi testemunha da gravação.
Casada com o baterista Tutty Moreno, ela também estava a trabalho no Rainbow, gravando um disco dedicado ao cancioneiro de Caymmi.
Na capa de Dorival, há um delicado texto dela.
E, nesse texto, tem uma coisa que desejo destacar:
“Dorival é uma daquelas provas de que o Brasil que o Brasil merece é possível”.
Se não for, Joyce, pelo menos a gente sonha, ouvindo esse quarteto arrebentar, tocando a grande música de Caymmi!

Sunday, March 04, 2018

1 Sem 2018 - Part Seven

Roma Trio
The Four Seasons

By ElusiveDisc
The Roma Trio puts their spin on the classic "The Four Seasons," a group of four violin concerti by Italian composer Antionio Vivaldi, each of which represented a season of the year.
Luca Mannutza, piano
Gianluca Renzi, bass
Nicola Angelucci, drums

Francisco Lo Vuolo
In Walked Francis

By Jakob Baekgaard
Sometimes the title of a record reveals that the music is something special. This is indeed the case with Argentinian pianist Francisco Lo Vuolo's solo piano album In Walked Francis.
Anyone who is slightly familiar with Justo Lo Prete's label Rivorecords knows what to expect: Pure quality releases in sophisticated packaging that focus on the sound made famous by Blue Note in the 1950s and 1960s. Lo Prete is interested in providing a contemporary take on jazz tradition and that is why the records on the label are often named after classic songs and standards, but In Walked Francis is an exception and an unusually bold title. It is a reference to pianist Thelonious Monk's classic composition "In Walked Bud" and suggests that Lo Vuolo doesn't need to play in the shadows of previous masters. He has his own walk, his own thing.
Lo Vuolo's originality isn't shown in the choice of material that still relies on the repertoire of standards like "Star Eyes" and "I'm Old Fashioned" and modern jazz classics like Monk's "Ruby My Dear" and, of course, "In Walked Bud." Instead, Lo Vuolo brings his superbly swinging sense of rhythmic surprise and melodic feel to the table and plays with a refreshing rebellious passion that would have made Monk proud.
Lo Vuolo also plays his own original "Arthur's Blues," a smoky ballad with a deep blue feeling and playful twists and turns. Here, it is easy to imagine the pianist sitting late at night in a little bar, playing his music while people are sipping wine. The piano sings and all ears are suddenly listening as Lo Vuolo walks around the keys and makes the notes bloom like beautiful flowers. For a moment, forget Bud Powell, forget Thelonious Monk. This is Francis Lo Vuolo taking his own musical walk.
Track Listing: 
How High the Moon; Arthur's Blues; In Walked Bud; Ruby My Dear; Star Eyes; Cry Me A River; Easy Living; I'm Old Fashioned; 'Round Midnight.
Francisco Lo Vuolo: piano.

The Doug Johnson Trio
Live At The Royal Garden

Doug Johnson: Piano/ Edward Perez: Bass/ Harry Tanschek: Drums

Gary Peacock Trio

By Karl Ackermann

Considering his nearly sixty-five years of recording, Gary Peacock has been relatively selective in his choice of leader projects. His association with luminaries Albert Ayler, Paul Bley, Bill Evans and Keith Jarrett have put him in the company of jazz history makers. When Jarrett's Standards Trio, with Peacock and drummer Jack DeJohnette, disbanded in 2014 after over twenty recordings, Peacock launched his own piano trio with pianist Marc Copland and drummer Joey Baron. Tangents is the follow-up to Now This (ECM, 2015).
Not surprisingly, given their long careers, these musicians have crossed paths before the trio was formed. Baron and Copland most recently played together on John Abercrombie's Up and Coming (ECM, 2017), while Copland and Peacock have collaborated on a number of the pianist's trio releases on the Pirouet label, including Modinha—NY Trios Vol. 1 (2006), with drummer Bill Stewart and Voices—NY Trios Vol. 2 (2007), with Paul Motian.
Peacock contributes five of the eleven compositions on Tangents, with Baron and Copland contributing two and one, respectively. The album also includes the Miles Davis (and/or Bill Evans) standard, "Blue in Green"; a striking version of Alex North's "Spartacus"; and one group composition. "Spartacus," in contrast to the collectively free-improvised "Empty Forest," makes for an effective snapshot of the diversity of styles covered. Beyond that, there is the not-quite-pastoral resourcefulness of "December Greenwings" and the sharply executed, bleeding- edge energy of "Tempei Tempo," with great improvisations from all.
At eighty-two years of age, one need only listen to "Rumblin'" to hear Peacock solo like the ageless wonder that he is. In the Tangents liner notes, he embraces a forward-thinking approach to composing at this late stage of his career. Rather than finding a comfortable position, Peacock is much more inclined to experiment with freer forms. He has found empathic partners in Baron and Copland, who he senses as "having the same experience in the moment, feeling the music together."
Tangents has to be considered a highlight in the careers of all three artists, as the too-often hyperbole of creative improvisation is exchanged for masterful and unequaled demonstrations of the art—and one of the best piano trio albums in some time.
Track Listing: 
Contact; December Greenwings; Tempei Tempo; Cauldron; Spartacus; Empty Forest; Blue in Green; Rumblin; Talkin’ Blues; In And Out; Tangents.
Gary Peacock: double-bass; Marc Copland: piano; Joey Baron: drums.